《4:48精神崩溃》借鉴了歌德的小说《少年维特之烦恼》，讲述了一位抑郁症患者自杀的心理过程，剧名中“4:48”是凌晨时间4点48分，之所以选择这个时间是因为原剧作者萨拉·凯恩在患抑郁症期间时常醒来的时刻。全剧中心人物是一个承受着巨大精神折磨的女人，在“偷生”与“求死”的挣扎过程中形形色色的人都试图劝说她，但最终她选择灵魂的泯灭来结束这一切。而在2024年的阿那亚戏剧节上，这部直面戏剧的代表作又被中国导演及其团队进行改编，携各领域艺术家串联起多元化的艺术形态，以声场、音乐、文本、视觉、环境与AI技术构建这场极富张力的内心之战。
原著内核的传承
萨拉·凯恩原剧本是在她深受抑郁症病痛折磨时创作出来的，它源自作者内心深处的真实情感，是对抑郁症患者精神世界的深刻剖析。在当今社会，精神健康问题日益受到关注，而《4:48精神崩溃》无疑为观众提供了一个解读的空间和窗口。据统计，中国有超过一亿人的精神健康存在问题，其中1600万人属于严重的精神病患者。然而，真正到医院接受正规治疗的却仅有500万人。这一数据背后，是无数被忽视和误解的精神疾病患者。他们或许在生活的角落里默默承受痛苦，或许在社会的边缘挣扎求生。《4:48精神崩溃》通过一位抑郁症患者的自杀心理过程，让观众得以窥见这一群体的内心世界，感受他们的孤独、绝望与挣扎。戏剧作为最能抵达观众心灵深处的艺术题材，因其特殊的临场性，使得这部剧的现实意义不仅在于对精神病患者的描述，更在于它对社会精神危机的启示。它提醒我们，精神健康问题并非遥不可及的边缘话题，而是与每个人的生活息息相关。它呼唤着社会对这一群体的关注与理解，以及对精神健康问题的重视与改善。
戏剧形式的革新
萨拉·凯恩在创作《4:48精神崩溃》时，拒绝了传统戏剧的许多要素，如规定场景、舞台提示和角色名称等。她选择了一种更为自由、实验性的表达方式，通过对声音和语言的创新运用，使观众能够更真切地感受到抑郁症患者的精神状态。导演刘畅在改编这部戏剧时，充分继承了原著的实验精神，并进行了大胆的创新尝试。他解构了原剧本的文本、故事、声音、演员的表演、台词和身体等多个方面，从不同的层次出发进行表现。这种解构不仅保留了原著的情感内核，还赋予了戏剧新的生命力和表现力。
在戏剧的中段，刘畅巧妙地穿插了一段非常长且刺耳的电音编曲。这一特殊桥段并非为了愉悦观众，而是为了制造一种强烈的不适感。这种不适感正是导演有意为之的，它让观众能够切身体会到主角所遭受的精神折磨。同时，这种异化的扭曲感也增强了戏剧的张力，使观众更加深入地投入剧情中。在舞台呈现方面，刘畅同样进行了大胆的创新。他选择了极简的舞台设计，仅由视觉艺术家张鼎打造的大型人偶作为主要的视觉元素。这些人偶既是主角内心的具象化，也是观众隐形情绪的投射延伸。舞者富有张力的肢体与人偶碰撞、抗衡，每一次挣扎和撕扯都像是敲向灵魂深处的重音，让观众感受到主角内心的痛苦与挣扎。玩偶作为非人的形象出现，在舞台上形成了一种独特的视觉冲击力。相比于演员的体量，玩偶无疑更能吸引观众的目光。当更大的人偶出现时，观众仿佛看到了更空虚、更迷茫、更孤独而愤怒的自我。这种视觉上的冲击与内心的共鸣相结合，使得戏剧的感染力得到了极大的提升。
跨界演出的尝试
在《4:48精神崩溃》的演出中，导演刘畅选择了陈思江作为跨界演出的主角。这一选择无疑引发了广泛的争议和关注。陈思江作为海朋森乐队的灵魂人物，以其鲜活昂扬、勇敢自由的表达风格而闻名。她以音乐为媒介，传递着对生活的热爱和对自由的向往。然而，将这样一位音乐人跨界到戏剧领域，并让她扮演一位饱受痛苦和疾病折磨的角色，无疑是一次大胆的尝试。陈思江在《4:48精神崩溃》中的表现无疑令人印象深刻。她以诘问和呐喊开掘内心，情绪饱满而极具冲击力。她的表演展现了韧性十足的生命力，直面自我，挣扎中不断审视，顽强对抗。她的每一次呐喊都像是从灵魂深处发出的呼唤，让观众感受到她内心的痛苦与挣扎。然而，跨界演出也带来了一定的争议。观众在观看后也产生了褒贬不一的评价，认为陈思江的音乐背景与戏剧表演存在一定的差异，她的表演风格可能无法完全融入戏剧的氛围中。而另一些观众则认为，正是这种跨界的力量使得戏剧更加具有创新性和吸引力。陈思江的音乐背景和表演风格为戏剧带来了新的元素和视角，使得观众能够从一个全新的角度去感受和理解剧情。
但无论如何，跨界演出无疑为《4:48精神崩溃》带来更多的噱头，通过社交媒体、新闻报道和口碑传播等多种渠道，该剧成功地引起了公众的关注和讨论。
《4:48精神崩溃》是一部深具震撼力的戏剧作品，它通过独特的视角和手法，深刻描绘了一位抑郁症患者自杀前的心理挣扎。在当今社会，精神健康问题日益受到关注。而《4:48精神崩溃》这样的戏剧作品，正是我们理解和关注这一群体的重要途径之一。希望未来能有更多这样的作品出现，让我们共同为构建一个更加健康、和谐的社会而努力。(作者系四川轻化工大学专任教师雷苗苗)
